The choreographic notation attempts to describe the position of the body in space, a system for graphically depicting the time, space and movement of a dancer. Historically, the notation is that of an alphabet by which a reader can recreate (reproduce) written movements, practice them or teach them. As Rudolf Von Laban argued: “A literature of dance and mime in symbols of movement is as necessary and desirable, as are written historical records of poetry, and musicals in musical notation.” The reason why dance movements begin to be written is first didactic, to be able to learn to dance, and also to reproduce at any stage of the story a specific work. Auxiliary of the memory and proactor of the movement.

The Dance Notation is the translation of four-dimensional movement (time being the fourth dimension) into signs written on two-dimensional paper. A fifth “dimension” -dynamics, or the quality, texture, and phrasing of movement-should also be considered an integral part of notation, although in most systems it is not.
The specialists’ studies go back to the Egyptians, who used certain hieroglyphics to leave recorded sacred dances. It is also believed that the Romans used a system of notation to record the movements of rigor in the ceremonies. The most concrete, however, is established through the ancient manuscripts preserved in the municipal archive of Cervera, Spain, which dates from the second half of the 15th century.

Several methods are known to write dance movements. The first of these arose from the dancer Pierre Beauchamps in the seventeenth century who was awarded the creation of the five basic positions of classical dance. In 1661, Beauchamps was the teacher of the Royal Dance Academy in France (1661), marking the beginning of the academic teaching of dance. The dance techniques of that century were recorded by Raoul Auger Feuillet in his book Chorégraphieou l’art d’écrire la Danse from the year 1700.

This is visualized in these first drawings that both the relation of the dancer with respect to his environment, as well as the outline on the floor they are represented in a line along which the steps and some movements of arms are written.
As the ballet technique was regulated, the notators began using stick figures to show the positions of the body and legs.

The system developed by the choreographer Arthur Saint-Léon, in 1852, used figures with lines that followed the movements of dance along musical patterns and was the first drawing that showed the viewpoint of the audience, so the right and left directions are changed.

Although good, workable systems have been around for centuries, the use of dance notation has never been an integral part of dance study and practice, as musical notation is in the study of music.
The main form of teaching and learning of any kind of dance has been produced orally, observing movements directly between the student and the teacher. However, the need for coding is rooted in human nature. There are over 80 different notation systems to write dance choreographies but each one of them works only for a specific dance form. Unlike western music notation, there is yet to be invented a universal or conventional language for dance.

There are still many dances which have never been translated into written form, Flamenco being one of them. The way of transmission in traditional Flamenco has occurred mainly by means of observation, imitation and repetition between a single student and a master, or thru generational knowledge.  

Flamenco is a intangible heritage and that is becoming more and more academic but because it’s a mimic based dance most of the steps get lost over time. Flamenco isn’t just about expressive movement techniques as ballet or contemporary dances. Flamenco is a percussive dance, meaning the body plays as an instrument, using both beat and music to create a narrative. Indeed, the dancing pattern repeated rhythmically creates a flow of musical patterns that correlates with the dancer’s movement. The most fundamental aspect in this dance is the zapateado, also known as tapping, clicking heels or footwork.

La notación coreográfica intenta describir la posición del cuerpo en el espacio, un sistema para representar gráficamente el tiempo, el espacio y el movimiento de un bailarín. Históricamente, la notación es la de un alfabeto mediante el cual un lector puede recrear (reproducir) movimientos escritos, practicarlos o enseñarlos. Como argumentó Rudolf Von Laban: “Una literatura de danza y mímica en símbolos de movimiento es tan necesaria y deseable, como lo son los registros históricos escritos de poesía y los musicales en notación musical”. El motivo por el que se empiezan a escribir movimientos de danza es primero didáctico, para poder aprender a bailar, y también para reproducir en cualquier etapa de la historia una obra concreta. Auxiliar de la memoria y proactor del movimiento.

La Notación de Danza es la traducción del movimiento de cuatro dimensiones (el tiempo es la cuarta dimensión) en signos escritos en papel bidimensional. Una quinta “dimensión”, la dinámica, o la calidad, textura y fraseo del movimiento, también debe considerarse una parte integral de la notación, aunque en la mayoría de los sistemas no lo es.
Los estudios de los especialistas se remontan a los egipcios, que utilizaron ciertos jeroglíficos para dejar grabadas las danzas sagradas. También se cree que los romanos usaban un sistema de notación para registrar los movimientos de rigor en las ceremonias. Lo más concreto, sin embargo, se establece a través de los manuscritos antiguos conservados en el archivo municipal de Cervera, España, que data de la segunda mitad del siglo XV.

Se conocen varios métodos para escribir movimientos de danza. El primero de ellos surgió del bailarín Pierre Beauchamps en el siglo XVII a quien se le concedió la creación de las cinco posiciones básicas de la danza clásica. En 1661, Beauchamps fue profesor de la Real Academia de Danza de Francia (1661), lo que marcó el inicio de la enseñanza académica de la danza. Las técnicas de danza de ese siglo fueron registradas por Raoul Auger Feuillet en su libro Chorégraphieou l’art d’écrire la Danse del año 1700.

Así se visualiza en estos primeros dibujos que tanto la relación del bailarín con respecto a su entorno, como el trazo en el suelo están representados en una línea a lo largo de la cual se escriben los pasos y algunos movimientos de brazos. A medida que se regulaba la técnica del ballet, los notadores comenzaron a usar figuras de palitos para mostrar las posiciones del cuerpo y las piernas.

El sistema desarrollado por el coreógrafo Arthur Saint-Léon, en 1852, utilizó figuras con líneas que seguían los movimientos de la danza a lo largo de patrones musicales y fue el primer dibujo que mostraba el punto de vista del público, por lo que se cambian las direcciones derecha e izquierda.

Aunque los sistemas buenos y funcionales han existido durante siglos, el uso de la notación de danza nunca ha sido una parte integral del estudio y la práctica de la danza, como lo es la notación musical en el estudio de la música.

La principal forma de enseñanza y aprendizaje de cualquier tipo de danza se ha producido de forma oral, observando los movimientos directamente entre el alumno y el profesor. Sin embargo, la necesidad de codificar tiene sus raíces en la naturaleza humana. Hay más de 80 sistemas de notación diferentes para escribir coreografías de danza, pero cada uno de ellos funciona solo para una forma de danza específica. A diferencia de la notación musical occidental, aún no se ha inventado un lenguaje universal o convencional para la danza.

Aún quedan muchos bailes que nunca se han traducido a la forma escrita, siendo el flamenco uno de ellos. La forma de transmisión en el Flamenco tradicional se ha dado principalmente a través de la observación, la imitación y la repetición entre un solo alumno y un maestro, o mediante conocimientos generacionales.

El flamenco es un patrimonio inmaterial y eso se está volviendo cada vez más académico, pero como es un baile basado en la mímica la mayoría de los pasos se pierden con el tiempo. El flamenco no se trata solo de técnicas de movimiento expresivo como el ballet o la danza contemporánea. El flamenco es un baile de percusión, lo que significa que el cuerpo toca como un instrumento, utilizando tanto el ritmo como la música para crear una narrativa. De hecho, el patrón de baile repetido rítmicamente crea un flujo de patrones musicales que se correlaciona con el movimiento del bailarín. El aspecto más fundamental en este baile es el zapateado, también conocido como tapping, tacones o juego de pies.